sábado, 25 de mayo de 2013

PRINCIPIOS DE DIAGRAMACION DE UN MURAL



                               MURALISMO


El cuadro es como una  celda. El arte vive allí, pero preso, en su interior. Vive atrapado entre los barrotes del marco de encierro.
 EL FORMATO GIGANTE Y MONUMENTAL DE LOS GRANDES EDIFICIOS O MUROS Y SU RELACION CON LA ARQUITECTURA PROPIA, LINDERA Y, DEL ENTORNO,  OBLIGA A ROMPER LA ESTRUCTURA INTIMISTA DEL MARCO DE ENCIERRO LIBERÁNDOLO, RELACIONÁNDOLO CON EL ESPACIO FISICO TRIDIMENSIONAL DEL ESPECTADOR Y SU NORMAL RECORRIDO.. NO APROVECHAR ESTO ES RESTARLE POTENCIA AL MURAL, ALEJARLO ESTRUCTURALMENTE DEL PROPIO MURALISMO.
Cristian Del Vitto.


Principios de diagramación y proyección de una pintura mural

Profesor Cristian Del Vitto (muralista)

Introducción:

Lo escrito a continuación son los pasos preliminares a seguir a la hora de encarar el diseño de un mural simple, sin la concepción de diseño poli angular, que será explicada más adelante, dado que, por su grado de complejidad es necesario encarar ciertas nociones básicas de manera mas simple.

Lo primero que se debe hacer es llegarse hasta el sitio donde se encuentra el muro en el que se realizara el mural. Esta instancia es fundamental, porque pondrá al artista en situación de observador común.  Es importante estar atentos a como se llegó al lugar, porqué caminos, qué parte del muro se observó primero y qué recorrido hicimos para verlo. También es importante tomar nota del movimiento de aquellas personas que circulan por  allí sin prestar atención al muro y planear estrategias que puedan servir para llamarles la atención a la hora de pintar el mural.


Existe la obligación de realizar los croquis de las diferentes vistas del muro y su entorno, señalando los puntos esenciales de observación y los puntos del muro mas visibles. A esta observación se le debe sumar fotografías de estos datos para además documentar los colores, texturas, ejes y direcciones del espacio arquitectónico del muro, del sitio y de todo el espacio circundante.
Las formas de los muros, altos, apaisados u otros, darán lugar a diferentes formas de encarar la composición debido a su mayor o menor grado de dinamismo.



Algunos tipos de muros y algunas formas de diagramar la obra



Muros apaisados:









(fotografía de muro apaisado, tomando a este como objeto autónomo desligado del entorno).
El muro apaisado por ser mas largo que alto, es sumamente estático por dar la sensación de estar fuertemente afirmado al suelo,
Si el muro estuviese emplazado en un espacio urbano, el muralista deberá apelar a recursos que logren llamar la atención al transeúnte, más aun en sitios con gran contaminación visual.
Esto no quiere decir que el mural deberá ser estridente  e invasivo, pero que si deberá generar un interés en el publico que sea efectivo, y no chocante o violento.
En ambos casos, murales urbanos o interiores coincidirán en que deberán tenerse en cuenta las líneas arquitectónicas y estilísticas del entorno como así también las texturas y colores que intervienen en el espacio.
Este tipo de muro en el que predominan las líneas rectas horizontales, requieren de abundancia, de líneas curvas, ritmos dinámicos que otorguen movimiento al conjunto.
NOTA: Si bien es esencial característica del muralismo la representación figurativa, por su llegada a todos los sectores de la sociedad, si no existiera un alma abstracta que organice esas imágenes, el mural perdería su fuerza, es por esto que partiremos de esta premisa en todos los casos aquí establecidos.
A la hora de realizar la composición de andamiaje abstracto, uno de los recursos que funciona bien es el uso de parábolas o líneas curvas o figuras que logren romper con el quietismo del muro otorgándole dinamismo.
El muralista deberá utilizar las líneas de los edificios lindantes, las texturas, los colores y, en el caso de que el muro tuviese puertas o ventanas, incorporar la geometría de las mismas al diseño.




( muro en cuya imagen se muestra la conexión de este con la vivienda lindera)

Porque ?  por el tamaño fundamentalmente ,por tener como soporte un muro fijo, que es un elemento de la arquitectura, o sea que no es autónomo  trasladable como la obra de caballete, y por estar emplazados en un espacio arquitectónico sea urbano o interior, debe respetar ciertos lineamientos para no invadir  (al muro)algo que desde el  principio es una obra de arte ejecutada por un arquitecto por simple y básica que sea . Esta premisa se debe fundamentalmente al tamaño de las obras, que nos fuerza a tener en cuenta la monumentalidad, cosa que no sucede con las obras de caballete, que tienen un mundo mucho mas interior del marco de encierro hacia adentro que del marco de encierro para afuera siempre salvando las subjetividades.

Todos los elementos citados con anterioridad deberán ser utilizados para la composición abstracta base constructiva de la pintura o escultura muralista.
Podrán utilizarse las formas geométricas cuadradas de las ventanas y repetirlas ritmicamente. Esos cuadrados pueden rotar, agrandarse o achicarse, utilizando como líneas de traslación las parábolas anteriormente nombradas.




(una buena utilización de las ventanas como recurso).






La idea es que el mural sea realizado especialmente para ese sitio. Esta cualidad hace que si se trasladara a otro lugar la composición no funcionaría de igual manera. Recuérdese que esa es una de las grandes diferencias con la obra de caballete, (el mural pertenece a un espacio determinado).




(Aquí observamos como las ventanas, no cumplen función alguna con la obra mural).

A veces sucede que de los muros urbanos, asoman por detrás, edificios, arboles; lo ideal es que los mismos conecten en la composición de mural, mediante recursos de líneas que continúan dentro del campo plástico.
Por supuesto estas ideas solo son ejemplificadoras , y el universo infinito de la imaginación de los artistas, podrán crear más alternativas, seguramente superiores a estas.






(ejemplo de una obra integrada con el espacio del fondo, ver árboles).




Muros apaisados interiores:

En este caso la composición es similar al anterior caso descripto, pero se le suma la tarea de conectar los muros laterales y el techo desde las perspectivas de un mínimo de tres puntos de vista del espectador, incluyendo en algunos casos, las líneas, colores o texturas del piso.
Para esto el estudio de campo espontaneo es esencial y el muralista deberá registrar y señalar tres puntos del recorrido que hizo desde que se encontró con el muro, hasta que se alejo de el. Por medio de cruces en el piso marcara esos tres puntos, sacara fotografías de las tres perspectivas, señalara los puntos importantes en el muro, que mas tarde servirán a poner los personajes principales para contar su historia.
Para establecer la conexión con la arquitectura, las líneas de las paredes laterales deberán trasladarse al muro que se va a pintar, desde los tres puntos de visión seleccionados por el muralista.



( Este es un ejemplo de un posible primero puno de visión, donde observamos un rincón y una ventana en uno de los muros, vemos como se integra en el otro muro las líneas de la ventana, generando un espacio virtual extra por anulación del rincón.)


Lo ideal sería utilizar, paredes laterales y techo para pintar el mural dado que de esta manera es más sencillo romper con el marco de encierro que generan dichos elementos sobre la obra mural.





NOTA:
Debemos recordar que un mural pintado al modo muralista se diferencia de una obra mural gigantografica, porque está hecha para ese lugar determinado.
  Y una  pintura de gran formato  puesta o pintada sobre un muro,  es la que está realizada sin tener en cuenta lineamientos arquitectónicos, pudiendo ser trasladada a cualquier muro o lugar, de la misma manera que un cuadro gigante.
Si el mural llegase a tener una exquisitez tal, que su composición contempla  el manejo de las líneas arquitectónicas, sus texturas, su buena pintura, si funciona bien su composición de acuerdo al recorrido del espectador, su mensaje fuese claro y preciso entendible a todos de modo concreto, pudiendo dejar, porque no, escapar algunas subjetividades; si esto se diese de esta manera, estaríamos frente a una obra superior a otra que es una simple trasposición de un cuadro a una superficie gigantografica que no fue concebida para el dicho espacio y cuyos elementos plásticos se desentienden de los elementos plásticos arquitectónicos del entorno.
Esto último sucede en la mayoría de los  trabajos que he visto que pregonan un arte no integral, segmentado, individualista de criterio que por lo general termina siendo una invasión y una falta de respeto a la obra del arquitecto que diseño el sitio.
Un mural no es una intervención violenta, es una intervención consensuada entre muralista, arquitecto y sociedad, con acuerdo de criterios.


Muros de formato verticales:

Este formato, es mucho más dinámico que los muros horizontales, por lo que en composición nos da más libertad y menos complicaciones (salvo los casos en que la altura del muro nos fuerce a corregir efectos de deformación típica de la perspectiva). Lo que si hay que tener en cuenta en estos casos es en el manejo de las direcciones de la composición y el verificar que los pesos de las figuras no desequilibren al formato dando la idea de que el conjunto tiende a caerse. 




Contemplaremos aquí dos características.
Muros verticales relativamente bajos y muros de rascacielos.
Los muros de forma vertical, cuyo tamaño es el que encontramos en construcciones no superiores a dos plantas, pueden manejarse de manera similar a las características de muro horizontal, hay que tener en cuenta, las mismas cuestiones.
En los muros de rascacielos, la complicación se encuentra en que por la altura y la distancia del espectador, los elementos dibujados en lo alto, se ven achatadas, por los efectos de la perspectiva.
    
Métodos de traspaso de una imagen al muro:

 a) Utilización de la fotografía digital y del método de la cuadrícula.
b) Uso del proyector.
c)     Uso de una filmina con cuadrícula proyectada en el muro.
d) Uso del espúlvero.


Nota preliminar:

El uso de cualquier herramienta y tecnología que facilite nuestra tarea a la hora de transponer imágenes y formas, es licito .Pero es necesario que cualquier herramienta de este tipo, no se vuelva indispensable.
El muralista de buen oficio debe saber realizar retratos o formas a gran escala con todas técnicas, porque le permitirá resolver cualquier problema ante la falta de tecnologías o recursos materiales y humanos. No solo debe  ser buen pintor sino a además buen dibujante.

Método de la cuadrícula:

Este método es uno de los más utilizados, especialmente por los que recién se inician en el dibujo y la pintura mural, consiste en dibujar sobre el boceto, una retícula de cuadrados perfectos. Cuantos mas cuadrados posea esa retícula , menor será el margen de error a la hora de dibujar la imagen en el muro.

Una vez hecho esto, se cuenta la cantidad de cuadrados que tiene el ancho del boceto, se mide el ancho del  muro a dibujar y se divide por la cantidad de cuadrados que posee el ancho del boceto.
Se marcan estas medidas y se trazan líneas horizontales suaves sobre el muro.
Debe tomarse la misma medida de separación entre las líneas trazadas para marcar y trazar las líneas verticales que de manera perpendicular a las horizontales dará como resultado una retícula de cuadrados perfectos, igual en cantidad que la retícula trazada sobre el boceto aunque en escala mayor.



Así como de una pequeña fotografía cuadriculada, podemos hacer, ampliaciones sobre papel con el mismo método, si manejamos las mismas proporciones pero en cuadros mas grandes podemos dibujar la imágen deseada en un muro de gran porte.
Las herramienats utilizadas para esto son la cinta métrica, la tanza de algodon entizada o una choclera y cardonilla para dibujar o una vara larga con un pincel en la punta (dependiendo del tamaño del muro).





Método para cuadricular el muro:

Para los recién iniciados en dibujar murales recomiendo el uso de un cordel de algodón, de aquellos que utilizan  los albañiles para atar sus plomadas. El cordel, que deberá ser largo, no menor a los 2m.
Este elemento, será nuestro tiralíneas.
Para trazar las líneas horizontales, frotaremos por toda la longitud del cordel una tiza de color oscuro.
Con una mano sostenemos el extremo del cordel apretándolo contra el muro. El otro extremo será sostenido por un ayudante que mantenga estirado el cordel y lo aprisione del extremo contra el muro.
La idea es la de conectar dos puntos con la cuerda, que marcados con anterioridad nos indique el tramo de la línea a marcar.
Una vez hecho esto, con la otra mano pellizcamos el cordel y lo jalamos levemente hacia afuera desde el medio, soltándolo deliberadamente pero sin dejar de sostener los extremos y, el polvo de la tiza, marcara el muro dejando dibujada una línea de tiza de color.
Este procedimiento deberá repetirse en todas las líneas verticales y horizontales de la cuadrícula.
Se utiliza esta metodología, dado que es mas rápida que trazar con reglas largas que se arquean y las cuales terminan siendo pesadas.
Para que las líneas queden perfectamente horizontales entre sí, es indispensable utilizar un nivel de albañil.
Finalizado el trazado de las líneas horizontales, para proceder al trazado de las verticales, debemos lograr que las mismas queden marcadas perpendiculares a la horizontal.
Para esto debemos adicionar al extremo del cordel una plomada de albañil.
Primero debemos sostener el extremo del cordel y pasarle  a toda su longitud una tiza de color oscuro, del mismo modo que hicimos antes.
Luego, apoyamos el extremo de la cuerda contra el muro en el punto donde trazaremos la línea vertical. El otro extremo, el que tiene la plomada, lo dejamos caer y por efecto de la gravedad nos dará una tensión perfectamente perpendicular. Así, sujetamos contra el muro el extremo de la plomada y sin hacer perder esta tensión pellizcamos el cordel hacia afuera soltándolo deliberadamente, dejando marcado el muro con una línea vertical.
Este procedimiento se hará tantas veces como sea necesario hasta cuadricular todo el muro.
Nota: Existen en el mercado diferentes herramientas y modelos de tiralíneas llamadas chocleras , que se tratan de un carretel de hilo, dentro de un recipiente lleno de polvo de color.





En mi experiencia habiéndola utilizado, no la recomiendo porque cada vez que se traza una línea, hay que enrollar el carretel y, agitar el recipiente y volverlo a desenrollar lo que hace que demoremos mucho en el proceso.

b) Uso del proyector:

Muchas veces podemos utilizar un proyector para agrandar figuras y calcarlas en la superficie del muro creyendo que la imagen proyectada se puede adaptar a cualquier superficie, plana, curva, rincón o vértice de muros.
Si nos podemos a investigar estos casos nos vamos a dar cuenta que el uso del proyector en algunos casos puede tener sus limitaciones.
Si el muro es demasiado alto puede suceder que el haz de luz no sea lo suficientemente poderoso como para proyectar la figura desde la distancia deseada.
También puede pasar que, si subimos al andamio y proyectamos de manera perpendicular a 90º esta imagen, cuando bajamos y observamos la imagen, la vemos achatada por el efecto de la perspectiva. Ni hablar de las ocasiones en que la imagen se distorsiona cuando la proyectamos sobre un rincón.



Es por esto que el muralista debe tener entre sus conocimientos los métodos para reemplazar y corregir estas limitaciones del proyector.
En la práctica esta herramienta es necesaria cuando muralistas novatos necesitan realizar en el muro algún retrato grande sobre la pared.
Recomiendo aprender a dibujar primero  y no caer en la comodidad del proyector.
Un muralista debe conocer su oficio, no es bueno que nuestra obra se base en las calcas con proyector, debido a que lo proyectado es una imagen miope sin escorzo 
Esta herramienta es muy útil si se conocen las reglas del dibujo y composición que nos permiten hacer ajustes posteriores.

c) Uso de una filmina cuadriculada proyectada sobre el muro:

Este es un método que he desarrollado yo, es un poco trabajoso pero da muy buenos resultados.
Lo primero que hay que conseguir es una filmina o acetato transparente al cual dibujaremos una cuadrícula con algun marcador indeleble.




En la  filmina debe  dibujarse  el contorno y formas principales de la figura que se quiere representar en el muro.
Luego debe colocarse sobre un trípode o elemento de modo fijo para que la filmina quede quieta frente a nuestro rostro.
Cerrando un ojo podremos ver el sector que abarcará la imagen sobre el muro, pudiendo retroceder con la filmina si la imagen encaja pequeña o acercarnos si la imagen se visualiza extremadamente grande.
Una vez decidida la distancia del trípode, cerrando un ojo y utilizando un puntero láser, señalamos a un ayudante que se situara en el muro, los puntos de contorno o de cuadricula necesarios para  representar la figura o la cuadrícula con la figura.
Esto servirá en especial cuando la imagen deba se situada de manera anamórfica dado el carácter de composición poli angular del mural.

d) Uso del Espúlvero:

Primero se hace el espúlvero, un dibujo en tamaño real , este se hace sobre papel manteca o vegetal. Una vez terminado el dibujo se agujerea con aguja y se le pasa una lija por detrás para sacar el borde de los agujeros. Posteriormente uno lo coloca sobre el lugar donde desea que quede el trabajo final y se le pasa la "muñeca"(Media vieja o almohadilla llena de tiza de color o carbonilla). Esto se hace para copiar el dibujo.
El espúlvero se puede utilizar para lograr repeticiones exactas de un mismo trabajo en varios lados y también lograr invertir el dibujo perfectamente(uso de la simetría).












 Composición muralista , yendo a lo que verdaderamente nos diferencia.:

En la mayoría de los murales que podemos observar en la actualidad se puede comprobar una gran indiferencia al muro que lo soporta, como también a los elementos arquitectónicos que lo componen y que rodean su superficie.
Para comprender esto y cómo ejemplo podemos recurrir al lienzo de un cuadro por pintarse.
Como todos sabemos, un cuadro es una obra autónoma desentendida de su entorno,  el pintor, a la hora de diseñar su obra  (, y, si se trata de un profesional), tiene en cuenta varios aspectos en la composición. Si el cuadro es de postura vertical utilizará o creará su imagen acorde a un planteo que acompañe esta posición y no anulando este formato.
 Supongamos que tenemos que pintar un cuadro con una superficie rectangular pero atravezada con algunos huecos rectangulares, ¿Qué haríamos? ¿Los ignorariamos? ¿Pintariamos la imagen ignorando estos huecos?. La respuesta es no. 





El buen pintor aprovecharía estos huecos incorporandolos dentro de la composición como una forma o elemento plástico más. De otro modo un retrato o paisaje quedaría literalmente agujereado y el conjunto de la composición se vería desvirtuado Veamos algunos ejemplo al respecto:        
Ahora volviendo a un muro en el que los huecos son puertas y ventanas el problema es el mismo solo que incrementado por el tamaño del conjunto.
Por esto, es necesario que el muralista tome conciencia de este aspecto básico e importante de la composición muralista.
Podemos preguntarnos de donde sale esta idea de incorporar los elementos arquitectónicos. La respuesta nos remonta a los orígenes de la historia. En ciertas zonas de las cuevas de Altamira vemos como el hombre primitivo aprovechaba las ondulaciones de la pared de las cavernas para abultar los vientres de los bizontes y darles un efecto más tri dimensional .







 Ya más adelante cuando el hombre cambio su morada y empieza la arquitectura la pintura mural continúa su presencia y es en en los períodos históricos de mayor desarrollo de la sociedad humana cuando el Muralismo se compone de manera integral con las líneas y los rasgos edilicios. Ya no sólo incluyendo los rasgos topográficos de la superficie mural sino que también juega lo que denomino Anclage mural. Me pregunto ¿será que en realidad la composición actual basada en el desentemdimiento es representativa de una etapa decadente de la historia de la humanidad?. Habrá que seguir reflexionando.

Anclaje Arquitectónico :

En muralismo se denomina Anclaje Arquitectónico a la relación que tiene la obra mural con el espacio lindante.


              (Vista Parcial del Mural del Jardín de Infantes de Los Talas . Berisso. Obra de C. Del Vitto)


 Esto comprende a no sólo los cerramientos sino además a ejes direcciones, ritmos, texturas o colores que deben estar incorporados a la composición del mural. Este Anclaje le dará al mural la característica de integral, queriendo decir que si se lo sacara de su entorno perdería potencia estética convirtiéndose en un cuadro grande.
En cuanto a su estructura es esta la característica fundamental que diferencia al muralismo de las demás escuelas y manifestaciones pictóricas gifantograficas sobre muro.

Anclaje Arquitectónico poli angular :

Se denomina Anclaje Arquitectónico poli angular a la composición que tiene en cuenta a los elementos antes explicados pero utilizando los llamados Puntos espectaculares..


(Mural Retrato de la burguesía por D. A. Siqueirpos)


Puntos Espectaculares.

Se llaman puntos espectaculares a los sitios principales del recorrido del espectador. Siempre son más de dos debido a que la obra que tiene un solo punto de vista se sitúa dentro de las que no tienen monumentalidad por no tener recorrido, como ocurre con un cuadro o gigantografia mural.
El muralista debe hallar estos puntos mediante un estudio de campo donde debe realizar croquis previa investigación y observación del recorrido de los espectadores. En base a ello deberá estableces cuáles puntos de vista son los mejores para establecer las partes de observación, lectura y Anclaje del mural.
Es importante destacar que esta característica de composición por poli angularidad es la que acerca al máximo a la realidad de una escultura y la sensación de una película quieta en la que el movimiento de la imagen lo otorga el espectador que se desplaza y no la imagen como ocurre en el cine.

Los puntos espectaculares como organizadores de la lectura plástica y literal del mensaje :


(Imágen extraída del Libro "Como pintar un Mural" por D. A. Siqueiros.)

Establecidos los puntos espectaculares , se enumeran y se marcan en el piso del lugar donde se realizará el mural. Desde estos puntos se marcarán sobre el muro las direcciones, diagonales y líneas de Anclaje que serán el sustento abstracto de la composición figurativa, que, será la que comunica el mensaje literal.
En cuanto al mensaje, la historia contada no siempre comienza de izquierda a derecha como puede ocurrir en una historieta. El comienzo dependerá de donde se sitúe el punto espectacular número uno y así sucesivamente.
Es en esta composición basada en el movimiento del espectador la que convierte al mural en una película quieta que se hecha a rodar con la traslación del espectador.

De la importancia de la imagen figurativa :


Es sabido el hecho de que el Muralismo tiene como primer principio comunicar un mensaje, este está dirigido a todas las personas sean del nivel intelectual que sean.
El muralismo no tiene como fin la simple decoración sino comunicación de un mensaje con fines sociales, donde lo estético acompaña y carga de espiritualidad y belleza plástica al conjunto. Es esta idea concreta la que convierte a esta disciplina en un ismo. 


("Sudamerica se Libera" Panel de intensión Muralista por C. Del Vitto. Ciudad de Resistencia Chaco)

Muralismo, ideología muralista, cuyo manifiesto fue publicado en la revista El Machete en 1923 por el movimiento muralista mexicano integrado por Diego Rivera, David Siqueiros entre otros.
Es por la necesidad de comunicar de forma más directa a todos los sectores sociales, que es indispensable el uso de la imagen figurativa y la metáfora con simbologia aplicada a la cultura popular.

La figura humana. La gran protagonista:

El muralismo es por historia y defenicion un arte social político, pedagógico, histórico y humanista.
Si observaremos las distintas obras que componen el acervo muralista y si nos remontaramos aún más atrás, a los períodos de florecimiento cultural veremos que el protagonista de los murales es el ser humano acompañado de objetos simbólicos y metafóricos que ayudan al entendimiento del mensaje. Por supuesto pueden existir excepciones pero solo se apartan del concepto original de Muralismo.

Características de la figura humana principal. :

Recordando que el mural pierde el marco de encierro al anclarse en el espacio circundante y que esto nos diferencia del gran cuadro, cartel o gigantografia; cuando logramos esto creemos que podemos poner allí las figuras humanas de cualquier manera.


                                                                  Photos by Streets Dept Contributor Eric Dale

En mis observaciones he corroborado que podemos arruinarlo todo si ponemos la figura principal,( esa que es la más próxima al espectador y que tiene por esto un contacto más directo con este,) cortada desde la línea de piso para arriba.
Este error se comete cuando queremos que la imagen se vea lo más grande posible. Entonces vemos una figura de la cintura para arriba partiendo de la línea de piso.
Este modo de posicionar la figura principal cortada destroza todo el Anclaje anteriormente explicado y le devuelve el marco de encierro transformándolo en un cuadro grande donde la parte representa al todo.
Si lo viéramos desde el punto punto de vista de lo monumental, sería como ver una escultura cuyo personaje principal surge de la tierra de la cintura para arriba.
¿Esto quiere decir que ninguna figura debe estar cortada?. La respuesta es no.
Está regla se aplica a los márgenes del recuadro del muro solamente.

Otra pregunta que suele surgir es : ¿Por qué tiene que haber necesariamente como figura principal una figura humana y no pueden haber objetos que tengan un papel protagonico?
 Bueno, hay varias respuestas que podemos dar al respecto.



Porque la obra mural de comunicación históricamente contó historias y cuestiones en la que los seres humanos o dioses eran los protagonistas de las mismas.
Porque el papel protagonico de un objeto está más cerca de lo material, del consumo o del cartel publicitario.
Porque se pierde la relación física del observador con la obra, dado que es más significativo tener frente a frente a un personaje humano en determinada problemática que un simple objeto simbólico o texto explicativo.
Se podrían enumerar más….

Sobre la incorporación de textos:

Cuando utilizamos las muletas de la palabra escrita en el mural es porque nuestra imagen está renga y no comunica lo suficientemente bien.
Recordemos que la idea primera del muralismo o el arte mural era incorporar en la comprensión del mensaje a los analfabetos.
En cuanto a la composición del mensaje en el mural, muchas veces la falta de organización de las imágenes lleva a que el mensaje no se entienda y los artistas al darse cuenta de ello recurren a poner carteles y frases por doquier, quedando como si la obra se tratase de una publicidad gigantografica o un cómic enorme.




Este sentido de inclusión de todas las clases sociales se da desde la edad media en el que el mural religios,  pero, se masifica con diversidad temática a partir de 1933 con el nacimiento del muralismo mexicano.

Sobre el planteo de la figura humana.:

Si se quiere hacer un mural con complejidad y maestría no basta con plantear una figura protagonica completa y nada más.
Recordemos lo visto sobre los puntos espectaculares y su utilidad para generar esa película que se cuenta con el movimiento del espectador.
Se deberá tener en cuenta además de la organización del mensaje la transformación y adaptación tanto de la figura humana como del fondo y el marco arquitectónico que cambiará de forma según se mueva el observador. Parece complejo y lo es. Esto lo hace más interesante.
Es en este punto en el que el muralista pone a prueba lo que lo distingue del resto. Su voluntad.


                                             UNEARTE Comando Creativo-

Considero que subir y bajar andamios, preparar el muro haciendo trabajo de albañil, con mal clima, trabajando en las calles (con los riesgos que esto conlleva), no es para cualquier tipo de personas. Siempre se estará más comodo en un atelier o concurriendo a muestras y ágapes. Es por esto que los muralistas tenemos una Super Voluntad, y para este selecto grupo de personas va dirigido este escrito. El resto hará pared ismo o pintará cuadros gigantes desembarazandose de la situación.
Bueno, volvamos al planteo.
Si queremos adaptar la figura humana al tránsito del observador se deberá recurrir a la poli angularidad.
La poli angularidad en muralismo es la característica que tiene la imagen de observarse o re armarse desde distintos ángulos.
Para aplicar una composición de imagen poli angular lo primero que se tiene que establecer son los puntos espectaculares o de visión del espectador. En función de esto se establecerá el orden en que las imágenes contarán el relato.


                                                               (Mural de Siqueiros)

No basta con cuadricular el muro y plantear la figura con una cuadrícula paralela al muro; muchos puntos espectaculares o de tránsito del observador están perfilados por lo que habrá que plantear una cuadrícula perfilada para el público desde su punto de vista vea la imagen de manera frontal. Esto en resumidas cuentas es trabajar con la llamada imagen anamorfica.
La imagen anamorfica es una imagen que se estira o se deforma para que sea vista en plenitud desde un solo punto de vista.
Pero recordemos que un mural no es un cuadro que puede ser colgado en cualquier sitio y observado de manera frontal.
Es aquí donde empieza el primer escollo a la hora de componer.
Recordemos que previamente teníamos una composición abstracta basada en líneas y planos que se anclaban a las líneas, texturas y planos de la arquitectura que rodea al muro. Estas líneas generan direcciones por lo tanto las imágenes no deben neutralizar con direcciones contrarias dado que se anulará la composición.




Para no complicarse recomiendo plantear de manera anamorfica si es necesario la primer figura para el primer punto espectacular, veremos como el espectador se sorprende con la figura por lo tanto su significado y simbolismo debe ser metafórica o literalmente contundente.
Una vez colocada la primera figura vamos a trasladarnos al segundo punto espectacular, siempre observando a la figura y estudiando la deformación que esto ocasiona dado que nuestro punto de vista es distinto al anterior.
En esta instancia dibujamos la figura o conjunto de figuras u objetos que dan continuidad al relato.
Si vemos la primera figura está se verá extremadamente deformada. Cuándo ocurre esto debemos recurrir a ciertos trucos que corrijan y re armen a la figura.
Por ejemplo se puede recurrir a la repetición de cabezas por detrás con el fin de restaurar el angosta miento de esta. A veces un pliegue de tela por detrás de la figura o un plano es suficiente para que la figura mantenga las proporciones, otras un brazo puede ser compartido por dos figuras en simultáneo, sin olvidar la posibilidad de que la figura tenga varios brazos útiles para cada punto espectacular.
El gran logro de la composición poli angularidad es el rearmado de todo el conjunto de figura fondo durante el recorrido del espectador.
Cada punto espectacular que se suma traerá nuevos desafíos y adaptaciones.
Explicado de este modo parece tarea fácil pero vemos que a la hora de concretar no sabemos como hacerlo.
¿Cómo cuadricular de manera perfilada?.





Un método que utilizo y me ja dado buenos resultados es el uso de una filmina cuadriculada.
Coloco la filmina a la altura de los ojos sobre un tripode en el punto espectacular en el que necesito trabajar. Realizo un contorno o síntesis de la figuro sobre esta filmina y por medio de un puntero láser indico a un ayudante que puntos tiene que marcar en el muro para luego construir la imágen.
Para esto puedo utilizar  el contorno de la imagen y la cuadrícula, la cual, planteo como se ve desde ese punto. Esto da como resultado una imagen anamorfica que se ve perfecta desde el punto espectacular para la cual fue concebida.
¿Cómo rearmar la figura si al moverme se vuelve a perfilar o deformar la msma?. Veamos el siguiente boceto del mural Nueva Democracia de Siqueiros.

                                            (Boceto del Mural NUEVA DEMOCARCIA de David Siqueiros)

Este es un boceto que nos dejó el padre de esta teoría poli angular.
En el mismo se representa una figura femenina con los brazos extendidos, pero vemos que la misma posee una figura deformada parecida a un brazo mas grande y mas estirado.
Este brazo está hecho para que, cuando el espectador se encuentre avanzando desde la izquierda haya un brazo completo que lo interpele y que cuando se ponga frente a la obra el brazo pequeño cumpla ese mismo cometido.
Este es un ejemplo simple de rearme de la figura, pero pueden haber otros modos y recursos:
por ejemplo utilizar pliegues del fondo para rearmar la ropa o repetir óvalos por detrás de la cabeza para rearmar el volumen de la misma y no perfilarla o hasta compartir partes del cuerpo con otro personaje.

Planteo de  las figuras humanas.  Enfoques de máxima expresión:

Suele ser muy común que nos enamoremos de una imagen fotografica y la utilicemos tal cual está para hacer nuestros murales.
Para que nuestro mural sea mas potente y expresivo, siempre debemos creer que la imágen es pobre y que es posible buscarle un plano o punto de enfoque que le de mayor fuerza.




A la hora de componer el personaje debemos pensarla y visualizarla mentalmente como si tuviéramos una cámara cinematográfica y pensáramos cual toma sería la mas impactante y expresiva.
Voy a citar un ejemplo: supongamos que tenemos que representar a una manifestación obrera. La foto de arriba es una típica imagen periodística hecha para un soporte de pequeño tamaño. Nosotros la podríamos copiar tal cual pero en gigante y no llegaríamos ni al 10 % de monumentalidad que necesitamos para un mural.
Cuando tenemos este problema debemos pensar que significa lo que queremos plasmar.
Queremos representar una manifestación obrera.
Una manifestación obrera no es un desfile es la demostración de fuerza de esa clase social, una marcha es fuerza, es choque por lo tanto la expresividad no esta en la simple marcha sino en la expresión de una fuerza aplastante al espectador. la marcha no puede pasar de costado o esquivar al espectador, la marcha debe pasarlo por encima.
¿Cual sería la posición ideal para expresar esta sensación?. Hay enormes variedades de soluciones a este problema. Una solución podría ser situando la cámara desde abajo dando la sensación de que los manifestantes se vienen encima.

(Obsevemos las dos imágenes y encontremos cual enfoque es mas potente)



En caso de que el muro sea demasiado bajo con respecto al espectador.. 

 Nos puede ocurrir que nos toque pintar en un muro mas bajo que nuestra estatura y que lo que queramos dibujar quede por razones obvias sin monumentalidad.
Supongamos que debemos representar un personaje principal de pie. Si el muro mide 1,60 , una figura dibujada en este tamaño nos daría una imagen de muñeco o humano sin las proporciones mínimas para ser monumentales.
Bueno, uno se puede pregintar cuales son las medidas mínimas que tiene que tener la figura humana para empezar a ser monumental. Para responder esto debemos remitirnos mentalmente a un monumento. ¿Cuando se considera a |una figura humana escultórica emplazada en un espacio público como monumento?.
Toda figura humana completa que parta de las medidas mínimas naturales de una persona promedio comienza a ser de tamaño monumental.
(Retomo por un instante a la idea de no considerar a la figura cortada, dado que, un gran busto sobre el piso sería impropio de la buena escultura y no se llamaría monumento por mas grande que este fuera.).
Si la figura humana en tamaño natural comienza a ser monumental ¿que pasaría si la pared es mas baja? ¿como abordar este problema?.


 Exageración de Rasgos de Acción. Caracteristica del buen muralismo.

A la hora de reproducir en el muro una imagen sacada o inspirada  de una fotografía  podemos constatar que la falta de escorzo reduce sustancialmente la fuerza de la imagen.
Si observamos bien veremos que por motivo del tamaño del muro, el escorzo  que utilizaríamos en un dibujo o en una pintura no es el mismo que el que necesitamos hacer en un muro. El muro necesita una exageración mayor.
A continuación veremos dos ejemplos con los cuales imaginamos tener que representarlos en un muro grande. El primero es un dibujo simplemente ampliado de una fotografía y luego veremos como le daremos mas fuerza para presentarlo en un muro y dar mas impacto.




Este ejemplo nos demuestra lo importante de exagerar los rasgos de acción. Si el personaje marcha pies deben ser contundentes, si golpea debe tener puños grandes y tensos, si arrastra o las tensiones deben ser mayores, si abraza los brazos deben ser mas largos de lo normal.

El personaje principal o  el primero que comparte la línea de piso con el espectador deberá estar de cuerpo entero:

Introducción:

En este breve escrito intentaré expresar las causas históricas y lógicas por las cuales el
muralismo opta por una representación de la figura humana de cuerpo entero.

Un poco de historia:

Analizando los testimonios históricos de pinturas y esculturas murales vemos en la mayoría de
estas, coincidencias en lo que respecta a la ejecución de la figura humana de cuerpo entero.





(Mural Homenaje al Rey Mindaugas. Sociedad Lituana de Berisso (Autor. C. Del Vitto))


Analizando los testimonios históricos de pinturas y esculturas murales vemos en la mayoría de
estas, coincidencias en lo que respecta a la ejecución de la figura humana de cuerpo entero.

El mural egipcio:

Si investigáramos acerca de la pintura o escultura mural egipcia notamos que las figuras de
reyes, dioses y otras de carácter antropomórfico pueden llegar a representarse con diferencias
de tamaños entre sí pero nunca seccionadas (como ser de la cintura para arriba por ejemplo).






Esta diferencia de tamaños se debe a la jerarquía de los personajes. La forma de pintar egipcia
estaba sujeta a estándares y no se debe a ningún tipo de primitivismo el hecho de que sus
escenas parezcan decididamente irreales: su habilidad técnica y su evidente comprensión de
las formas deja esta cuestión bien clara; mas bien es la consecuencia directa de la función
esencialmente intelectual de su arte. Cada sujeto se mostraba desde el ángulo que lo hacía
mas fácilmente identificable. Por esta razón en la pintura egipcia no existe la perspectiva. La
razón por la cual los egipcios no representaban la figura humana recortada desde el piso, era
porque de algún modo se estaría quitando información acerca del aspecto físico del
representado. Tambien porque era necesario representar todo el entorno para que la escena
se mantuviera exacta en el mas allá.

Podremos ver y constatar esto en muchos ejemplos, entre ellos, la Pintura mural de la tumba
de Ramosés, Tebas, Egipto, que data del 1370 a.c, en el fragmento denominado "Las
Plañideras" o " Cazandop aves" , de la tumba de Nebamon, Tebas, Egipto, que data del 1400
a.c..

Como curiosidad:





Mural Retrato de la Burguesía por D. Siqueiros.


Los muralistas que fueron parte del muralismo mexicano, promueven el no uso de la
perspectiva renacentista en forma total.
El uso de múltiples puntos de visión en las figuras y espacios de un mural facilita la lectura y da
dinamismo a la composición.
Así podemos ver personajes y objetos que si bien se encuentran juntos pueden estar
representados desde diferentes puntos de visión.

El mural Minoico y Micénico:

La civilización Minoica de la edad de bronce (3000-1100 a. C.), denominada así por el mítico
rey Minos, fue la primera en desarrollarse en Europa. Se hallaba establecida en la pequeña isla
de Creta, situada en el Mar Egeo entre Grecia y Turquía, y su sociedad se desarrolló mas o
menos paralelamente a Egipto. A pesar de su proximidad y de ciertas influencias compartidas ,
las culturas Egipcia y Minoica se desarrollaron muy separadas, aunque la segunda tuvo una
enorme influencia en el arte de la antigua Grecia.



Palacio de Knossos. Creta. hacia 1500 a.c.


Aunque se aprecia una cierta repetición esquemática de la figura humana, también llegan a
nosotros ejemplos de pintura mural con representaciones de cuerpo entero. Podemos citar
como ejemplo de este período "la escena de Tauromaquia" , fresco del palacio de Cnosos,
Creta, del año 1500 a.c..

El mural Etrusco:

La civilización Etrusca existió en la península italiana al mismo tiempo que la griega, se extendía por el sur de Italia en el siglo VIII a. C.. Su arte muestra influencias del arte griego,
pero mantiene un estilo propio muy valorado por los griegos. Algunas de las primeras obras de
arte de los Etruscos, como el mural de " La tumba de los leopardos", año 470 a.C., en Tarquinia
o " Plañideras" de una tumba en Rivo di Puglia , Italia, de finales del siglo V a. C., nos muestran
las escenas donde la acción no se resume al enfoque de una parte del cuerpo sino
complementan la composición del mural con el espacio arquitectónico.



Pintura mural etrusca, representando a un músico, en la llamada «Tumba del Triclinio», en Tarquinia, h. 480 a. C.


El mural en la Grecia clásica:

 El mural Griego:



Imagen de 'El rapto de Perséfone' (s. IV a.C.), fresco encontrado en la tumba Vergina (Macedonia). Uno de las pocas pinturas de la Antigua Grecia que se conocen. Dominio público.


Si bien no quedan muchos conservados, la pintura griega mas importante del siglo IV a. C. es
el “Rapto de Perséfone”, pintada sobre el muro de una tumba del mismo complejo funerario
donde está enterrado Felipe II de Macedonia, que murió en el año 365 a. C.. Este mural nos
muestra un gran realismo y ambas figuras se muestran de cuerpo entero.

EL mural del imperio Romano:La pintura mural romana en la mayoría de los casos son copias
de estilos u obras Helenísticas.La perteneciente al siglo I nos muestra un naturalismo sin
precedentes y una relajada cualidad lírica.Como testimonio tenemos un bello mural de la
ciudad Romana de Stabia, llamado, " Muchacha juntando Flores", fechado entre los años 15
a.C. y 60 d. C.


El mural Bizantino:

A principios del siglo II d. C., el gran Imperio Romano estaba en declive, y en el siglo III d. C. su
vida política había degenerado en caos. Cuando el emperador Diocleciano dividió el imperio en
dos, de este a oeste, empezó la caída del Imperio Occidental.





 En el siglo V , el Imperio
Occidental sucumbió a los bárbaros germánicos. En el este, en Bizancio , emergió un imperio
nuevo, de base cristiana, destinado a durar mil años y que tenía una forma de arte nacido del
cristianismo.
En Roma, en la red de antiguas cámaras funerarias conocidas como catacumbas, hay una
serie de pinturas murales que datan de la época en que los cristianos fueron perseguidos,
durante los siglos III y IV. En cuanto a estilo, estas pinturas llevan la marca de la tradición
grecorromana y de cuerpo entero.
Es importante destacar en este período pues aparecen los mosaicos reconocidos por ser el
estilo Bizantino por excelencia. Es Ejemplo de esto la obra "Justiniano y sus ayudantes" del
gran ciclo de mosaicos de la iglesia de San Vital, R´vena, año 526-547.


Téngase en cuenta la siguiente característica de este período:
Los iconos, una gran tradición dentro de la vida de la Iglesia Oriental, eran imágenes religiosas,
generalmente de Cristo, de la virgen o de los Santos. Estaban pintados sobre pequeñas tablas
que se confeccionaban así porque eran fáciles de llevar para poder utilizarlas como
instrumentos de devoción. En la utilidad del icono no era necesario que las figuras estuviesen
representadas de cuerpo entero. Es así que podemos ver imágenes de la virgen y el niño de la
cintura para arriba o del rostro de Cristo.
El mensaje era lo importante y lo mismo resultaba una manera que otra. También la imágen
era simplificada.En muchos murales de iglesias vemos que los artistas de la época, a partir de
esta costumbre de representar parte de de la figura, hicieron lo mismo en murales.
Apareciendo muchos ejemplos de gigantografías murales. En la catedral de Monreale, en
Sicilia, podemos ver figuras completas de santos y en ciertas partes de su bóveda, cículos a
modo de pequeñas ventana por donde asoman figuras parciales de de santos.

El mural Románico:





Adán y Eva
Pintura mural en la ermita de la Vera Cruz de Maderuelo

El mural Gótico:

Como ejemplo de pintura mural se hallan los frescos de Cimabue , Giotto y Duccio.





El mural Renacentista:


Comparando, la pintura gótica, fue modelada por las sociedades feudales de la Edad Media,
con sus raíces en las tradiciones Románicas y Bizantinas ; el arte Renacentista, por su parte,
surgió de una civilización nueva y de rápida evolución. Marcó el punto de salida del mundo
medieval al mundo moderno y, como tal, aportó los fundamentos de la sociedad y los valores
occidentales.



Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564)


Mural Rococó:


mural Villa Widmann rococó de The Regal Sim


EL estilo rococó se desarrollo como sucesor del barroco en un a amplia gama de ámbitos
artísticos, entre ellos la arquitectura, la musica y la literatura, además de la pintura. Su énfasis
radicaba en la ligereza, la decoración y la elegancia estilística. Surgió en París a principios del
siglo XVII yse extendió por el resto de Europa


Mural Barroco:


Barroco, originalmente una palabra portuguesa que significaba "de forma irregula e inexacta",
se utilizó como termino artístico. 





Este suponía una nueva dirección en el mundo del arte que
surgió en Roma a principios del siglo XVII, en parte como reacción a la artificialidad del estilo
manierista delo siglo XVI. El estilo estaba enfocado tanto a la emoción genuina como a lo
inmaginativamente ornamental. El drama humano se convirtió en un elemento vital en la
pinturas barrocas, representado con gestos teatrales y muy expresivos, iluminados con
impresionantes claroscuros y con una rica combinación de colores.


Mural Neoclásico:


El neoclasicismo nació a partir del rechazo del rococó y del barroco tardío, a mediados del siglo
XVIII.





 Los artistas neoclásicos pretendían conseguir un estilo que trasmitiese ideas morales
serias como la justicia, el honor y el patriotismo. Ansiaban recrear el estilo simple y digno del
arte clásico de Grecia y Roma.


Mural Romántico:

El romanticismo empezó en la misma época, pero se trataba de un enfoque mas relacionado
con lo moderno, y trataba sobre lo salvaje y la expresión mas que sobre el control.





El muralismo Mexicano:


Obra de Diego Rivera 


En el mundo había decaído  la pintura mural, ya que los artistas se volcaron a concebir sus
obras sobre lienzo.
El nacimiento de las vanguardias acaparaba la atención de los allegados al arte y a las galerías
, mientras que las mayorías, carentes de educación, ayudados por artistas mas inclinados a
poner su genialidad al servicio de sí mismos que a socializar sus saberes, encontraban una
barrera, en que las formas y los símbolos se confundían y se volvían difíciles de decodificar
para estos.No fue coincidencia que fuera México y sus artistas quienes encendieran
nuevamente la llama de la pintura mural y que concibieran un verdadero "muralismo", no como
mero compendio de manifestaciones artísticas sobre un muro , sinó como " un pensamiento - ismo
" en la manera de realizar un mural.
Los muralistas mexicanos mas destacados de esta época son:

David Siqueiros, Diego Rivera, Orozco y Rufino Tamayo. Todos participaron en la pubblicación
del manifiesto muralista y podemos observar algunos ejemplos de sus obras para poder ver el
modo en que representaban la figura humana.



Conclusión:


Mural en Filadelfia.


Ante una enorme cantidad de murales de todos los tiempos, con ejemplos claros de la figura
humana completa, nos cabe hacernos las siguientes preguntas:
¿ Es esto una simple casualidad el modo de representación?.



Mural de Diego Rivera.



¿Cual de los dos modos es el mejor ?¿Por qué?.




Michael Vahl
4139 7th Terrace South, Saint Petersburg, FL, USA


Recordemos que la época en la cual se comenzó a representar la figura humana cortada, fue
a partir de la caída del imperio romano.

El ícono religioso en tablas pequeñas de facil traslado para su adoración, dió lugar a que no
fuese necesaria la confección de la figura humana de cuerpo entero. Como lo que importaba
era el mensaje y su difusión, daba lo mismo la totalidad de la imagen de Cristo que solo su
rostro.
Considero que en estos casos particulares ( haciendo referencia a los murales con figura
humana fragmentada), es donde " los artistas del mural rompen con el diálogo físico mural -
espectador y viceversa ( modo de representación de mayor impacto psicológico utilizado hasta
entonces y posteriormente rescatado por los artistas del muralismo mexicano y artistas que
siguieron por esta línea), ya que solo se trataría de agrandamientos de dichas
representaciones a la hora de hacerlas sobre un muro.
Pero no solo por esto.
Como dijimos, en los murales profanos, los temas e imágenes representados tenían una
relación física directa con el espectador. Este, no solo podía sentirse parte del mural por su
temática, sino a su vez, podía ver los personajes por completo como nosotros podemos ver a
las personas cuando caminamos por un sitio cualquiera.
Es difícil establecer un contacto subjetivo físico y un diálogo exterior - interior con los
personajes del mural, si estos se hallan desde que comienza la construcción del muro en el
piso representados de la cintura para arriba o simples gigantografías de cabezas.
( El hecho de representar algo visto a travez de un marco de encierro, corta de alguna manera
esta relación y el espectador pasa a ser un individuo que se compromete nada mas a ver a
travez de una ventana. El cuerpo del espectador no está hermanado a la obra).
Pero tratándose de imágenes de carácter divino, ideológicamente lo físico humano estaba lejos
de esto. Dios y los Santos en el cielo y nosotros en la tierra. Con esto no quiero decir que todo
el arte mural posterior fue un arte de figuras fragmentadas, ya que sobran muchos ejemplos
con figura completas.





Mural realizado por Shop-crew


También no debemos olvidar la influencia de la fotografía en el arte, la contaminación visual
con gigantografías de publicidades y la imagen tratada desde distinto tipos de planos,
influyen en la fragmentación de la imagen.

Pero quiero hacer una comparación con el mural hecho por las mayorías de los artistas
posteriores a la caída del muralismo Mexicano, hasta la actualidad y establecer algunos rasgos
en común.
Durante el auge del muralismo Mexicano, el arte Moderno de caballete corría por carriles
distintos a los del muralismo. Mientras los muralistas de aquella época arengaban al arte
popular y social de masas, un arte que entre otras cosas debía ser comprendido por todas las
clases sociales y poseer un lenguaje 
ible ; el arte moderno generaba vanguardias y
se alejaba poco a poco de la comprensión de las masas para convertirse en arte para algunos
entendidos. De dudarse esto basta con hacer una consulta popular preguntando sobre los
diferentes ismos a todo tipo d e personas y se verá seguramente una afección mayoritaria por
el realismo que por la abstracción. Aquí es el punto en donde a partir de la libre expresión e
indiferencia por parte de los artistas al modo de concebir los murales, surgen murales
abstractos y gigantografías, donde se ven claros ejemplos de rostros en primer plano, figuras en plano americano u otros. Como en esos ejemplos de la edad media, y de la fotografía ,los
artistas en la mayoría de los casos inocentemente, logran que el espectador no comparta una
relación de convivencia física con el mural. En ese tiempo ,por lo divino y las ideas religiosas,
en este, por una creencia falsa de libertad de expresion y comodismo donde la indiferencia
tapa con su manto a los conocimietos técnicos muralistas de la realización de un mural.
El muralista pinta para las masa y se incluye. El artista que pinta muros, pinta lo que quiere y
como quiere ( cosa que respeto) y muchas veces termina pintando para él y no para todos.
Esta es la mejor excusa para tirar por la ventana todos los conocimientos y separar al mural de
su soporte fundamental que es la arquitectura. El artista se vuelve tan individualista que olvida
no solo al espectador sino además olvida que esta pintando sobre una obra de arte en sí que
es un " ámbito arquitectónico" determinado. Estos olvidos promueven murales invasivos.
Esto es importante dar a conocer a los que tengan ganas de iniciarse en el muralismo, así
podrán elegir uno u otro camino, entonces sí ,conoceremos lo que es la libertad de hacer desde
el conocimiento y podrán confrontar posturas ideológicas.
El muralismo es una disciplina compleja porque intervienen en ella conocimientos de otras
disciplinas. Pero los amigos de la " ley del menor esfuerzo" miran para otro lado.




Es sabido que existen obras pictóricas sobre pared que ejemplifican lo contrario, pero invito: a
numerarlas y comparar cifras, a investigar acerca de los grandes muralistas de todos los
tiempos e investigar como representan la figura humana y confirmarán lo expresado aquí.
¿ Porqué es importante la relación física de la obra con el espectador?


Mural de Natalia Rak


Para poder explicar claramente esto recurro a una situación.
Cuando los muralistas nos proponemos proyectar un mural lo primero que nos interesa es si el
mensaje llega con claridad al espectador. Esto es fundamental ,pero en la manera en que llega
este mensaje es lo importante.
Supongamos un concurso de murales donde se realizan 3 obras con una misma consigna, “La
marcha de los obreros”.



Obra de Ricardo Carpani.


Al ver las obras concluidas vemos los siguientes casos:
1° Una obra en la que se representan una multitud de personas de perfil con banderas y puños
en alto, gritando, solamente vistas de la cintura para arriba.
2° Una obra en la que la multitud se halla marchando de frente, con banderas, puños en alto,
gritando , de la cintura para arriba.
3° Una obra en la que se representa la multitud marchando de perfil, con banderas, puños en
alto, gritando, de cuerpo entero, estas en escala similar al tamaños de los espectadores que
por ahí pasan.
4° Una obra donde la multitud se halla marchando de frente, con banderas, puños en alto,
gritando, de cuerpo entero, pero enfocado en ángulo desde abajo y exagerando el tamaño de
los pies de los personajes que van por delante.
Si bien en todos los casos se representa perfectamente el mensaje “marcha o manifestación”,
solo en los dos últimos casos al espectador le causaría un doble impacto, ya que se le suma un
impacto mas ligado con lo físico.
En el 3° ejemplo el espectador que pase por el mural se convertirá no solo para él si no para
los que lo vean pasar por allí en un personaje mas de la obra.
En el 4° ejemplo el espectador siente la sensación de que la marcha lo pasa por encima
interviniendo una experiencia de reflejo físico además de visual.
El diseñador podrá optar por múltiples formas de dibujar el mural pero hay maneras que
implican un mayor compromiso con el dibujo y muchos optan por lo fácil creando murales
incompletos. 




Thomas Hart Benton murals in the House Lounge in Missouri State Capitol. Jefferson City, Missouri, September 17, 2005


Es así que la importancia de la relación física del espectador con la obra mural radica en que
el mensaje se vuelve “mas significativo” ya que el muralismo brinda un impacto visual mayor,
no por el tamaño si no por el modo de representar la acción.


Cristian Del Vitto (Muralista argentino, miembro del Movimiento Internacional de Muralistas de
Argentina Italo Grassi)





Algunas Técnicas de rebatimiento de Muros:

Los ejemplos brindados a continuación servirán a la hora de determinar que pasos vamos a seguir para brindar ampliar los espacios interiores y exteriores  por medio de rebatimientos de esquinas o salientes. 


Siqueiros Patricios y patricidas

Rebatir significa rechazar o contrarrestar algo. 


Obra de David Siqueiros.  (anulación de rincón)


El rebatimiento es la anulación virtual, ilusión óptica , (creada por métodos geométricos) de la percepción que tenemos de los espacios y cuerpos geométricos. 
En muralismo se utiliza el rebatimiento de los espacios para anular ópticamente espacios que generan encierro, alejamiento, generar espacios virtuales entre elementos de la  composición de un mural, etc.
Los métodos que veremos a continuación son la característica básica ay estructural que pertenece al muralismo puro, dado que en nuestra disciplina los muros no son considerados un mero soporte, sino que, los mismos son parte de una super estructura arquitectónica de carácter integral.
Cabe aclarar que estos son algunos de los cientos de ejemplos posibles para usar a la hora de realizar una composición muralista en una maqueta o en el muro mismo.


Siqueiros (Retrato de la Burguesía)


La intensión es que con algunos métodos el alumno pueda analizar y crear o descubrir  nuevos.


Mural de Siqueiros.


Rebatimientos de muros externos:

 Se utilizan por lo general cuando los muros a pintar componen angulos entre sí. Dentro de este grupo estan las esquinas las ochavas o un edificio completo segun sea el caso.
Supongamos tener dos muros que unidos generan una convexidad o angulo.
Lo primero que tenemos que estudiar es el paso de los peatones u observadores en los vehículos, la direccionalidad del transito y otras referencias como ser comercios, lugares donde la gente se sienta a consumir en la via pública y demás características urbanas.




Este objeto geometrico con un angulo de 90 ° por naturaleza estática, tamaño y donde su apreciación no se remite a un solo punto sinó que esta subordinada al recorrido del espectador, no debe  ser intervenido como si fuera un mero soporte. El mural deberá componerse como si fuera un monumento , pensando en al menos 3 puntos de vision . Para esto es necesario buscar metodos de rebatimientos y rearmado de la imagen para lograr un mural mas monumental y dinamico.
Aquí presento un ejemplo sencillo:


CONTINUARÁ......